Michelangelo Merisi, der sich nach seiner Vaterstadt Caravaggio nannte, gehört zu den Mitbegründern des Barock: Seine meisterhafte Lichtdramatik machten ihn zur Inspiration für spätere Künstlergenerationen. Im richtigen Leben scheint er ein schwieriger Patron gewesen zu sein, jähzornig und ungeduldig. Doch in der Malerei gilt er als Dreh- und Angelpunkt. Seine theatralischen Szenerien, seine künstlerische Lichtführung und die völlig neuen Themen, die er in seinen Bildern entwickelte, wurden zum Ideal. Seien Sie bereit, sich in diesem reich bebilderten Jubiläumsband von seinen Werken einhüllen und verschlingen zu lassen.

Autorentext
Die Autorin STEFANIA MACIOCE ist seit 1998 Professorin für Geschichte der modernen Kunst an der Sapienza Universität Rom und lehrte zuvor mehrere Jahre an der Universität von Udine. Sie hat am renommierten Warburg Institute in London geforscht und Archivrecherchen im Staatsarchiv von Rom und Mailand sowie im Archiv des des Malteserordens in Valletta durchgeführt. Ihre Studien betreffen hauptsächlich Caravaggio, zu dem sie mehrere Bücher und Essays veröffentlichte, z. B. zum römischen und maltesischen Aufenthalt des Malers, zu Rhetorik und Stichen sowie zur musikalischen Ikonographie. Ihr grundlegendes Werk ist der Band Michelangelo Merisi da Caravaggio, Dokumente, Quellen und Inventare 15131875, erschienen 2003.

Leseprobe
Zwischen Schatten und Licht Um zu verstehen, wie Caravaggio seine außergewöhnlichen Gemälde auf der Grundlage von Lichteffekten realisieren konnte, wollen wir uns einen Moment im Leben dieses Künstlers vorstellen, während eines Spaziergangs im Rom seiner Zeit zwischen den Stadtteilen Marsfeld und Sant'Eustachio in der Nähe des Pantheons, wo er lebte. Rom war im frühen 17. Jahrhundert ein lebhaftes Hin und Her von Menschen von fast überall, aber es war auch eine Stadt, in der Gewalt weit verbreitet war und in der Schlägereien und Duelle auf den Straßen inmitten von Prostituierten, Spielern und Bettlern alltägliche, manchmal tödliche Ereignisse waren. Caravaggio mietete eine Wohnung bei einer gewissen Prudenzia Bruni und fügte dem Vertrag eine Klausel hinzu, die ihm die Erlaubnis gab, die Hälfte des Raums freizulegen, d. h. einen Teil der Decke zu entfernen, höchstwahrscheinlich, um ihm zu erlauben, einige seiner großen Leinwände hineinzustellen. Es ist faszinierend und auch folgerichtig zu denken, dass der Künstler diese große Öffnung vermutlich genutzt hat, um natürliches Licht für seine Modelle zu haben und so seine Beleuchtungstechnik zu perfektionieren. Der päpstliche Chefarzt, Kunstsammler und Biograf Giulio Mancini (161721) schreibt über gutes Licht von oben, d. h. konzentriertes Licht in einer dunklen Umgebung ohne vibrierende Oberflächen. Eine Analyse der zahlreichen Lichtbahnen, die auf den Gemälden zu sehen sind, zeigt, dass Caravaggio verschiedene Geräte eingesetzt haben muss, beispielsweise die Verwendung einer bestimmten Linse, um das Licht zu filtern und es in eine bestimmte Richtung zu richten. Bekanntlich ließ sich Caravaggio von der ihn umgebenden Realität inspirieren und transponierte sie visuell, indem er Schatten und Licht auf radikal neue Weise einsetzte. Tatsächlich ermöglichte die Konzeption eines Lichts, das in seinem Neigungswinkel und seiner Wirkung besonders ist und dies im Einklang mit den Vorschlägen des lombardischen Malers und Kunsttheoretikers Giovanni Paolo Lomazzo in seinem Trattato dell'Arte della Pittura, Scultura et Architettura (Abhandlung über die Kunst von Malerei, Skulptur und Architektur von 1584) Caravaggio, den Bildstil in Bezug auf den formalen Ausdruck zu revolutionieren. Die Figuren nehmen durch Lichtblitze aus dem Schatten Gestalt an; im Schatten leben sie ihren turbulenten Lebensmoment und werden dann wieder von der Dunkelheit in einer zwingenden Ähnlichkeit mit dem Verlauf der menschlichen Existenz verschluckt. Aus seinen frühen, klaren Gemälden, die durch kristallklare Beleuchtung gekennzeichnet sind, entwickelte Caravaggio seine eigene ursprüngliche Konzeptualisierung, in der die Szene durch den kontinuierlichen Kontrast zwischen heller und dunkler Materie der Dinge konstruiert wird. In diesem tiefgreifenden Konflikt nimmt jeder Gegenstand vom Stillleben bis zur menschlichen Figur seine Form an ohne die traditionelle Hierarchie der Subjekte. Diese Vision zeigt deutlich die extreme Freiheit, mit der Caravaggio die darzustellenden Motive auswählt, und sie erhalten dieselbe Würde, wenn sie durch den erleuchteten Geist, der seinen Pinsel leitet, aus dem Schatten auftauchen. Mancini legt Wert auf Caravaggios neue Beleuchtungstechnik: ein starker Kontrast zwischen hellem Licht und breiten Schattenbereichen. Man könnte daraus schließen, dass diese ausgeprägte Hell-Dunkel-Polarität genau im Atelier des Malers zum Leben erweckt wird, wo die Arbeiten in einem Raum ausgeführt werden, dessen Wände schwarz gestrichen sind und in dem ein günstig gerichtetes helles Licht die Form des Malers prägte. Jahre später (1672) gibt Giovan Pietro Bellori an, dass Caravaggio nach seinen frühen Arbeiten die dunklen Farben intensivierte und sich der Verdunkelung der Schatten widmete, beginnend mit den ersten öffentlichen Aufträgen, wie den Arbeiten für die Contarelli-Kapelle in San Luigi dei Francesi, Rom. In seiner Beschreibung der viel späteren Geburt Christi mit den Heiligen Laurentius und Franziskus in Palermo verwendet der Biograf den Begriff nachtaktiv, bei dem sich das Licht über die Schattenbereiche ausbreitet. Ab einem bestimmten Punkt gab Caravaggio die Sonneneinstrahlung auf und beschloss, die Formen durch Platzierung im Schatten zu bilden. Das Innere der geschlossenen und dunklen Umgebung wurde zu einem unbestimmten Bildraum, der von völliger Dunkelheit umgeben war und in dem nur ein Strahl hellen Lichts platzte von oben auf die Szene treten und die Formen durch den kräftigen tonalen Kontrast zwischen hell und dunkel formen. So erzeugt sein sehr persönlicher Bildstil Formen und macht sie plastisch und lebendig. Er lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das wichtige Detail, das er hervorheben möchte, und belässt im Schatten das, was nur wahrgenommen, aber nicht unbedingt beschrieben werden kann. In diesem Zusammenhang notierte der deutsche Maler und Kupferstecher Joachim von Sandrart 1675 über den strukturellen Wert des Lichts in Caravaggios Werken, das es niemals die Szene abdeckt, sondern immer aus einer konkreten Quelle stammt, sei es intern oder extern. Wie ein Scheinwerfer trifft der Lichtstrahl direkt auf die Figuren im Schatten, die so Gestalt annehmen und wirken. Vor Sandrart hatte Giovanni Baglione (1642) auch die Bedeutung von Caravaggios Licht zusammengefasst, das dem Kunstwerk Form verleiht. Caravaggios Licht durchdringt die weit verbreitete Dunkelheit und verleiht den breiten Gesten und dem Ausdruck der auf den Leinwänden abgebildeten Personen und der daraus resultierenden dramatischen Spannung mehr Kraft, verwandelt alles in ein hic et nunc (hier und jetzt) das die Handlung der Geschichte einfriert, ähnlich wie ein Filmrahmen. Caravaggio verwendet dasselbe Licht als greifbare Darstellung der immanenten Gegenwart Gottes in der Welt und als Vehikel der Gnade. Eine Analyse von Caravaggios Werk zeigt deutlich die zugrunde liegende Bedeutung des Gebrauchs von Licht: als spirituelle Suche in fast allen seinen bahnbrechenden Werken. Dieses mystische Licht, das den reifen Gemälden des Künstlers Form verleiht, aber insbesondere in seinen sizilianischen Werken, zerbricht und zerfällt schließlich in unzählige Blitze, die die Textur des Werkes durchdringen, das jetzt aus diffusen und gemischten Lichtpartikeln besteht, ist ein ständiger Ausdruck der sich ständig weiterentwickelnden spirituellen Reflexion. In seinem Gemälde ist nichts Statisches. Das Gleichgewicht ist zerbrechlich, gestärkt durch den Umgang des Künstlers mit dem Licht, was diese Unsicherheit zeigt. Caravaggio fängt die Handlung der Personen in der Szene wie in einem Schnapp…